Voici 12 conseils pour la réalisation de votre premier long métrage
La réalisation de mon premier long métrage a été l'une des expériences les plus difficiles et les plus gratifiantes de ma vie.
Ce fut un honneur et un privilège de travailler avec une équipe de plus de 200 collaborateurs créatifs qui m'ont aidé à apprendre ces leçons qui, je l'espère, inspireront d'autres cinéastes débutants à réaliser leur vision.
1.LES SENSATIONS DU RÉALISATEUR DE FILM
En fin de compte, en tant que réalisateur, votre travail consiste à devenir le baromètre de la vérité émotionnelle sur le plateau.
Donc, quand la caméra commence à tourner, oubliez tout le reste et essayez simplement de ressentir la performance à chaque prise. J'aimais me tenir aussi près de l'objectif que le courant alternatif me permettait de ressentir ce que la caméra enregistrait.
Du montage à la recherche de musique, en passant par la correction des couleurs et le mixage, ressentez le film que vous voulez faire vivre au public.
2. TROUVEZ VOS IMAGES CLES
En préparant mon film, j'ai fait une liste de tournage et un storyboard, mais je savais que nous n'aurions pas le temps de faire tout ce que j'imaginais sur le papier. J'ai mis au point un système d'images clés, qui est devenu extrêmement utile sur le plateau.
L'idée est d'essayer de distiller chaque scène en une seule image qui représente ce que la scène doit réaliser de façon spectaculaire.
Il peut s'agir d'un plan extrêmement large qui agit comme un coup de poing dans l'intestin, d'un plan de poursuite lyrique ou du gros plan que vous gardez pour l'impact émotionnel.
Lorsque vous devrez commencer à combiner les plans sur le plateau, vous saurez quelle est l'image essentielle dont vous aurez besoin pour que chaque scène remplisse sa fonction dramatique
3. La qualité de votre film dépend de celle de vos collaborateurs.
Je crois que c'est Elia Kazan qui a dit le premier que 90% de la réalisation est un casting. C'est certainement vrai pour les acteurs, mais je pense que le même principe s'applique à votre équipe de création.
Avoir une vision esthétique claire et créer un espace où les gens peuvent apporter leur talent et leur expérience pour faire leur meilleur travail. Trouvez des collaborateurs qui mettront vos idées au défi et vous pousseront à la créativité.
Nous avions des objectifs ambitieux et des ressources limitées, mais chacun s'est efforcé de faire quelque chose de bien plus grand que ce que chacun d'entre nous aurait pu imaginer.
Les découvreurs.
4. Faites un lookbook
J'ai commencé à collectionner des images lorsque j'ai écrit mon scénario que j'ai finalement transformé en livre imprimé.
C'est l'occasion de montrer aux gens le film que vous voulez faire : comment la lumière, la couleur et la forme fonctionneront, des esquisses de personnages, des idées de lieux, l'exploration des tons, comment vous tournerez les différents lieux, etc.
C'est un outil utile à montrer aux investisseurs, il est devenu un excellent déclencheur de conversation lors des entretiens avec les clés de la création et est devenu la clé de voûte pour affiner la conception esthétique du film.
Je vous suggère de vous procurer un scanner USB portable bon marché pour la collecte d'images. J'ai fait des pèlerinages à la Mid-Manhattan Picture Library pour feuilleter leurs vastes fichiers d'images et j'ai parcouru les bibliothèques artistiques de Columbia et de NYPL pour scanner des photographies, des peintures et d'autres sources d'inspiration visuelle.
J'ai également fait des captures d'écran de films et j'ai passé au peigne fin Flickr, Google et Getty Images pour trouver du matériel supplémentaire.
5. Connaissez la colonne vertébrale de votre film.
La colonne vertébrale de votre film sera le moteur de toutes les décisions esthétiques que vous prendrez, alors développez une ligne traversante claire et précise.
En préparation et sur le plateau, des milliers de questions vous seront posées : à quoi doit ressembler la maison du protagoniste ; quelle veste doit-il porter ; quelle couleur doit-on peindre les murs ; quel langage de caméra doit-on utiliser ; qu'en est-il de l'éclairage ?
Avec une colonne vertébrale cohésive, vous pouvez passer chaque choix au crible de ce prisme.
Comme "Les découvreurs" était un retour à l'histoire pastorale où chacun des personnages dépouillés de leur moi urbain se voyait et se voyait sous un nouveau jour, nous avons développé un arc esthétique à quatre mouvements (ville, banlieue, forêt, Pacifique) où la lumière, la couleur, le mouvement de caméra et la forme pouvaient évoluer au cours de leur voyage.
6. Aidez vos acteurs à construire des personnages avant de venir sur le plateau.
Nous espérons que vous aurez un peu de temps pour répéter, mais avant même que vos acteurs n'arrivent sur le plateau, vous pouvez les aider à construire leurs personnages. Prenez ce temps pour apprendre leur langue - sont-ils méthodiques ou Meisner, quel est leur processus ?
J'ai partagé mes recherches visuelles, la musique, les livres et les films, nous avons parlé d'histoires anciennes et je leur ai donné des devoirs. J'ai demandé à Griffin Dunne, qui joue un universitaire, de se plonger dans la littérature de Lewis et Clark et je l'ai envoyé en expédition de recherche dans des archives historiques.
7. Ayez toujours une poche pleine de jouets
J'ai commencé à collectionner des jouets pour expérimenter le blocage et le mouvement de caméra lorsque je faisais des courts métrages. Au début, les vaisseaux spatiaux et les animaux étaient des doublures d'acteurs jusqu'à ce que je passe à des modèles d'artistes en bois que vous pouvez trouver dans n'importe quel magasin de fournitures artistiques.
Pendant la préparation, je bloquais des scènes avec mon DP et nous photographiions des plans de référence. Sur le plateau, j'avais toujours une pochette pleine de jouets et de boîtes d'allumettes pour illustrer un plan de poursuite ou l'endroit où la caméra allait.
En guise de cadeau d'adieu, mon équipe de conception de production m'a offert un nouvel ensemble de jouets, donc je suis prêt pour le prochain film.
8. Préparez-vous trop, puis laissez tout ça derrière vous.
La seule chose que vous avez avant que la caméra ne commence à tourner, c'est le temps. Le temps de décomposer votre scénario, votre story-board et de le prévisualiser.
Une fois que vous êtes sur le plateau et dans des lieux réels avec des acteurs qui donnent vie à vos personnages, il semble qu'il n'y ait jamais assez d'heures dans la journée.
Ne vous inquiétez pas, vous pouvez jeter tout votre travail de préparation et réagir et vous adapter à la magie qu'apporte la collaboration, confiant que vous savez ce dont vous avez besoin.
9. Comprendre le travail de chacun.
À l'école de cinéma, nous avons travaillé sur les équipes des autres pour passer en revue chaque rôle sur le plateau et apprendre les uns des autres.
Essayez de maîtriser tout ce que vous pouvez, de la budgétisation à la programmation, de la caméra au son, de la prise de vue à l'éclairage, en passant par le transcodage et le montage.
Cela vous permettra de savoir ce qui est possible et vous permettra de prendre des décisions créatives lorsque vous serez confronté à des contraintes de ressources.
10. Faites confiance à votre entourage
Lorsque vous écrivez, obtenez autant de commentaires que possible. Il en va de même pour les projections tests afin d'affiner la coupe.
Pendant la préparation, revoyez le scénario avec vos acteurs et modifiez le scénario si quelque chose de révélateur en ressort.
Soyez ouvert aux nouvelles idées, d'où qu'elles viennent, mais connaissez le film que vous voulez faire et protégez votre inspiration initiale qui a réuni tout le monde pour faire le film.
11. C'est vous qui donnez le ton
Embrassez l'expérience de faire un film et apportez votre énergie, votre inspiration et votre excitation pour donner le ton. Essayez de créer un environnement dans lequel vos acteurs et votre équipe se sentent libres de prendre des risques et de faire du bon travail.
Au moment de la fin du tournage, j'ai également essayé de remercier personnellement tous les acteurs et membres de l'équipe pour leur travail quotidien. La réalisation de films est un moyen de collaboration et tout le monde doit être traité avec respect et voir ses efforts reconnus.
12. Ne pas faire de compromis (jusqu'à la dernière minute).
Vos clés créatives ne veulent pas que vous fassiez de compromis. Vos acteurs non plus. Ils veulent que vous soyez audacieux et ambitieux et que vous preniez des risques.
Il est probable qu'ils ne réalisent pas votre projet pour l'argent, ils ont été émus par le scénario ou les possibilités créatives que le film présentait, alors ne faites pas de compromis - au moins jusqu'à la dernière minute.
Ensuite, soyez réaliste et acceptez l'idée que les meilleures solutions créatives proviennent souvent des limites.
-réalisateur de court métrage et long Métrage-Karim Blondeau